presents Les Recettes de l’amour

William CHRISTIE, musical director and organ

Lea DESANDRE, mezzosoprano

Thomas DUNFORD, laúd

Les recettes de l’amour (‘The recipes of love’)

Some friendships transcend generations: this is the case of the musical and human connection that unites William Christie with Lea Desandre and Thomas Dunford. If one revealed the other two to the great public, and if many years apart, all three share a common taste for music made of audacity, brio, fantasy – and above all, passion.

It is thus in the intimacy of a family of music and heart that this unusual program invites us, reflecting these three unique personalities. Shattering the barriers between styles and eras, these Recipes of Love blend baroque arias, melodies and excerpts from operettas – from Marc Marc-Antoine Charpentier to Jacques Offenbach, via Reynaldo Hahn and Michel Lambert – with a common thread: the French language so dear to this cosmopolitan trio. A savory and cheerful menu!

Hippolyte et Aricie, «L’amour comme Neptune»
J.P. Rameau (1683-1764)

Dardanus, «Je veux que sous mes lois tous les cœurs soient heureux”
J.P. Rameau 

Ciboulette, «Moi je m’appelle Ciboulette»
R. Hahn (1874-1947)

«Ah qu’ils sont courts les beaux jours»
M.A. Charpentier (1643-1704)

Le Mariage forcé, «Récit de la beauté»
J.B. Lully (1632-1687)

Belle lurette, «Couplets du souper»
J. Offenbach (1819-1880)

«Auprès du feu»
M.A. Charpentier

La Périchole, «Ariette de la griserie»
J. Offenbach

«Les barricades mystérieuses»
F. Couperin (1668-1733)

“Celle qui fait tout mon tourment”
M. A. Charpentier

«Le doux silence»
H. D’Ambruys 

«Le charme»
E. Chausson (1855-1899)

L’enfant et les sortilèges, «Toi le cœur de la rose»
M. Ravel (1875-1937)

«Charmante nuit»
M. Lambert (1610-1696)

«Les tendre plaintes» Instrumental  – Thomas & Bill ou Bill solo
J-P Rameau

«Ruisseau qui nourrit dans ce bois»
M.A. Charpentier

Médée, «Princesse c’est sur vous que mon espoir se fonde»
M.A. Charpentier

 «Les voix humaines» (tiorba sola)
M. Marais (1656-1728)

Médée, «Quel prix de mon amour»
M.A. Charpentier

«Passacaille» – instrumental
L. Couperin (1626-1661)

La belle Hélène, «Amours divins»
J. Offenbach

«Profitez du printemps»
M.A. Charpentier

«Vos mépris chaque jour»
M. Lambert


Early and not-so-early music
Antoni Pizà

Professor of Musicology at The City University of NY

At the beginning of the 1960s, the world of classical concerts experienced a significant shake-up that has come to be known as “Historically Informed Performance” (HIP), inter alia. This movement was motivated primarily by a spirit toward correction or rectification. Two ideas emerged among many music performance professionals. One was that the musical repertoire was based on a dozen or so composers of the 18th and 19th centuries (Bach, Mozart, Beethoven, Brahms, etc.) and that there was a need to broaden the repertoire what orchestras usually play with other composers from other countries, cultures and more importantly historical periods other than the 18th and 19th centuries, which are the core of the repertoire. The second idea was that well-known music Bach, for examplewas often incorrectly performed because it was played according to modern criteria. Bach, Handel, Scarlatti and other baroque composers, for example, were played on the piano and not the harpsichord. And so, in this spirit of rectification, the movement of music, sometimes referred to as “early music” with “period instruments” and containing historically informed criteria, was created.

However, what began as a slight, marginal artistic movement in the 1960s has become a particularly important way of understanding music in the classical concert scene. In addition to the public having lost its fear of “forgotten” or unknown composers, it is now quite normal to perform works by composers and pieces from the usual repertoire in the HIP. It is worth noting that the HIP has not replaced modern performance but has complemented it. Today, we can listen to Bach on the modern piano or the harpsichord, and nobody is shocked at all. Both interpretations are artistically valid, but thanks to the HIP, the public has become aware of two things. First, the HIP is closer to the original way this music was felt when it was created, though not exact because historical accuracy can be considered a pipedream. Secondly, historicism allows us to discover many nuances buried in the modern interpretation. Some people say that when they have cut salt (or sugar or nicotine) from their diets, although at first this change is a difficult challenge, the food tastes like nothing, they end up discovering new flavours in fruit, vegetables, meat and fish. Suddenly, new aromas and tastes, palate subtleties and olfactory undertones that they did not know about come to the fore. The HIP has this feature. It makes us hear the music in a different way and, if you like, with better judgement and more subtle sonorous tones.

How do we obtain this historicism, which unveils patinas that have been buried by time? One essential aspect is the instrument used and, of course, how it is played. For example, tonight’s concert will see a harpsichord on stage (played by William Christie), a plucked strings key instrument. The great strength of the harpsichord is that it has a very delicate sound and allows for separate, independent chords and melodic lines without the mixing and possible confusion caused by the reverberating pedal on the piano, an instrument, by the way, with percussive strings, which is much later than the harpsichord. Therefore, as a chamber instrument with an intimate resonance, the harpsichord is ideal for a private salon and not a concert hall (or an outdoor courtyard at night) because, besides, it doesn’t allow too many dynamics (it can’t sound too loud or too soft).

Another instrument we will hear tonight is the theorbo, the most bass-like instrument of the lute family, which is very similar to the archlute (played here by Thomas Dunford). The theorbo is also a plucked string instrument played with two basic techniques: plucking, which adds short, ornamental melodies as a commentary to the main melody, and strumming, which creates a chordal effect and harmonic progressions. The theorbo has two necks, sometimes fretless, and one of these necks has a corresponding set of additional strings that serve to play the basses. 

Vocals in the world of the HIP (tonight, we will hear mezzo-soprano Lea Desandre) are also different from vocals in the world of opera. One of the differences is that in opera, vibrato, a tiny oscillation that creates expressiveness and also projects the voice at a certain distance, is often used extensively. In the HIP, vibrato is used much less than in opera and is an embellishment, an addition—not an integral part of the performance. Singers usually follow the rhythm, accents and movement of the text and, following historically informed criteria, indulge in short improvisations, flourishes and all sorts of liberties that are generally not acceptable in the operatic world.

In a HIP, the musicians sometimes don’t wear full evening dress and perform straight away; many are eclectically minded young people who play Purcell today and perform in a punk band tomorrow. In general, an informal spirit predominates. However, this does not imply a lack of historical rigour and exquisite musical taste. A historically informed performer must know whether the “A” should be tuned at 440 Hertz (like the “normal” piano) or higher or lower. The tuning can also take a historically informed performer many hours of study to clarify whether the scale should be twelve pitches or more or less. The study of music and performance with historically informed criteria is a very rigorous discipline – theoretical treatises in Latin or medieval Catalan must be examined. Yet behind these hours and hours of study, there must be art, beauty and an apparent naturalness.

The programme presented tonight includes an anthology of English and French vocal music covering the late 17th to 20th century period. This means you will hear baroque pieces (Lawes, Purcell, Lambert, Couperin, etc.) performed according to the historically informed criteria described above. There will also be interpretations of works by 20th-century composers such as Copland, Barber, Poulenc and Ravel. This demonstrates the open and inclusive spirit of the HIP movement. Tonight, you will hear early and not-so-early music.

WILLIAM CHRISTIE, dirección musical y órgano

Tras un destacado debut con el repertorio mozartiano como Despina (Cosi fan tutte/Mozart) en el Festival de Salzburgo de 2020, la mezzosoprano franco-italiana Lea Desandre ha consolidado a lo largo de las temporadas su afinidad con el compositor austriaco. Presentó su debut con Cherubin (Le nozze di Figaro/Mozart) en el Festival d’Aix-en-Provence en 2021, para debutar en la presente temporada en prestigiosas salas como la Ópera de París, la Ópera de Zúrich, el Liceu Barcelona o la Ópera de Lausana.

A raíz del lanzamiento de su primer álbum en solitario para Erato/Warner, Amazone, con el Jupiter Ensemble/Thomas Dunford, Lea Desandre actuará en salas como la Staatsoper Berlin, Philharmonie de Paris, Carnegie Hall, Philharmonie de Berlin, Opéra de Bordeaux, Elbphilharmonie Hamburg, así como en las principales salas españolas.

Aclamada como Annio (La clemenza di Tito/Mozart) en 2021 en el Festival de Pentecostés de Salzburgo, actuó junto a John Eliot Gardiner en Les nuits d’eté/Berlioz y Despina (Cosi fan tutte/Mozart) en el Salzburger Festspiele. Desde 2015, Lea Desandre ha destacado en muchos roles como el de Urbain (Les huguenots/Meyerbeer) en la Ópera de Ginebra, Rosina (Il Barbiere di Siviglia/Rossini), Dido (Dido and Aeneas/Purcell), Alcione (Alcione/Marais) en la Opéra Comique, Sesto (Giulio Cesare/Händel), Valletto y Amore (Incoronazione di Poppea/Monteverdi) en Salzburgo, o Messaggiera (Orfeo/Monteverdi) en Nueva York y Washington.

A la edad de veinte años, Lea Desandre fue descubierta por William Christie; a partir de entonces, su carrera se desarrolló hasta el punto de ser nombrada en 2017 Artista Lírica Revelación en las Victoires de la Musique Classique y nominada en la categoría Artista Lírica ​​en su edición de 2021. Lea estudió en Venecia con Sara Mingardo y se formó durante doce años en danza clásica.

Lea Desandre ha sido invitada a cantar con prestigiosos directores y músicos como William Christie, Gustavo Dudamel, Thomas Hengelbrock, Myung Whun Chung, Joana Mallwitz, Sir John Elliot Gardiner, Enrique Mazzola, Raphaël Pichon, Marc Minkowski, Emmanuelle Haïm; así como con otros directores de renombre como Barrie Kosky, Christof Loy, Jan Lauwers, Lotte de Beer, Netia Jones, Jossi Wieler, Sergio Morabito, James Gray o Jean-Yves Ruf.

Sus conciertos y recitales la han llevado por todo el mundo: Wigmore Hall, Mozarteum Salzburg, Musikverein Wien, Walt Disney Concert Hall (LA), Théâtre des Champs Elysées, Philharmonie de Paris, Opéra de Bordeaux, Sydney Opera House, Opéra de Genève, Sala Sinfónica de Shanghái…

Muy vinculada a la música de cámara, actúa regularmente en concierto con Thomas Dunford y su Ensemble Jupiter. Su versatilidad musical también la ha llevado a revelarse en un “seul en scène” (un pastiche de Rameau) en la Opéra Comique, así como en la gran Gala Farinelli en el Salzburger Festspiele junto a Cecilia Bartoli.

Entre su discografía destaca su recital en solitario para Erato/Warner Amazone con el Ensemble Jupiter (Erato/2021), Barricades con Jean Rondeau y Thomas Dunford (Erato/2020), Vivaldi con el Ensemble Jupiter (Alpha/2019), Handel Italian Cantatas con Sabine Devieilhe y Emmanuelle Haïm/Le Concert d’Astrée (Erato/2018) o Cities con Thibault Cauvin (Sony/2018).

LEA DESANDRE, Mezzosoprano

Després d’un destacat debut amb el repertori mozartià com Despina (Cosi fan tutte/Mozart) al Festival de Salzburg del 2020, la mezzosoprano francoitaliana Lea Desandre ha consolidat al llarg de les temporades la seva afinitat amb el compositor austríac. Va presentar el seu debut amb Cherubin (Le nozze di Figaro/Mozart) al Festival d’Aix-en-Provence el 2021, per debutar aquesta temporada a sales prestigioses com l’Òpera de París, l’Òpera de Zuric, el Liceu Barcelona o l’Òpera de Lausana.

Arran del llançament del seu primer àlbum en solitari per a Erato/Warner, Amazone, amb el Jupiter Ensemble/Thomas Dunford, Lea Desandre actuarà a sales com la Staatsoper Berlin, Philharmonie de París, Carnegie Hall, Philharmonie de Berlín, Opéra de Bordeaux, Elbphilharmonie Hamburg, així com a les principals sales espanyoles.

Aclamada com Annio (La clemenza di Tito/Mozart) el 2021 al Festival de Pentecosta de Salzburg, va actuar juntament amb John Eliot Gardiner a Les nuits d’eté/Berlioz i Despina (Cosi fan tutte/Mozart) al Salzburger Festspiele. Des de 2015, Lea Desandre ha destacat en molts de papers com el d’Urbain (Les huguenots/Meyerbeer) a l’Òpera de Ginebra, Rosina (Il Barbiere di Siviglia/Rossini), Dido (Dido and Aeneas/Purcell), Alcione (Alcione/Marais) ) a l’Opéra Comique, Sesto (Giulio Cesare/Händel), Valletto i Amore (Incoronazione di Poppea/Monteverdi) a Salzburg, o Messaggiera (Orfeu/Monteverdi) a Nova York i Washington.

Als vint anys, Lea Desandre va ser descoberta per William Christie; a partir de llavors, la seva carrera es va desenvolupar fins al punt de ser nomenada el 2017 Artista Lírica Revelació a les Victoires de la Musique Classique i nominada a la categoria Artista Lírica en la seva edició de 2021. Lea va estudiar a Venècia amb Sara Mingardo i es va formar durant dotze anys en dansa clàssica.

Lea Desandre ha estat convidada a cantar amb prestigiosos directors i músics com William Christie, Gustav Dudamel, Thomas Hengelbrock, Myung Whun Chung, Joana Mallwitz, Sir John Elliot Gardiner, Enric Mazzola, Raphaël Pichon, Marc Minkowski, Emmanuelle Haïm; així com amb altres directors de renom com Barrie Kosky, Christof Loy, Jan Lauwers, Lotte de Beer, Netia Jones, Jossi Wieler, Sergio Morabito, James Gray o Jean-Yves Ruf.

Els seus concerts i recitals l’han portada per tot el món: Wigmore Hall, Mozarteum Salzburg, Musikverein Wien, Walt Disney Concert Hall (LA), Théâtre des Champs Elysées, Philharmonie de París, Opera de Bordeaux, Sydney Opera House, Opera de Genève, Sala Simfònica de Xangai…

Molt vinculada a la música de cambra, actua regularment en concert amb Thomas Dunford i el seu Ensemble Jupiter. La seva versatilitat musical també l’ha portada a revelar-se en un “seul en scène” (un pastitx de Rameau) a l’Opéra Comique, així com a la gran Gala Farinelli al Salzburger Festspiele al costat de Cecilia Bartoli.

Entre la seva discografia destaca el seu recital en solitari per a Erato/Warner Amazone amb l’Ensemble Jupiter (Erato/2021), Barricades amb Jean Rondeau i Thomas Dunford (Erato/2020), Vivaldi amb l’Ensemble Jupiter (Alpha/2019), Handel Italian Cantatas amb Sabine Devieilhe i Emmanuelle Haïm/Le Concert d’Astrée (Erato/2018) o Cities amb Thibault Cauvin (Sony/2018).


Nacido en París en 1988, Thomas Dunford descubre el laúd a la edad de nueve años gracias a su profesora Claire Antonini en sus estudios en el Conservatorio de París, donde obtiene el Primer Premio, por unanimidad, en la clase de Charles-Edouard Fantin, continuando su formación en la Schola Cantorum de Basilea con Hopkison Smith. Asiste a clases magistrales con laudistas como Rolf Lislevand, Julian Bream, Eugène Ferré, Paul O’Dette, Pascale Boquet, Benjamin Perrot y Eduardo Eguez.

De 2003 a 2005 Thomas debutó en la Duodécima noche o Noche de Reyes de Shakespeare, en el escenario de la Comédie Française. Desde entonces, ha actuado por todo el mundo: Carnegie Hall y Frick Collection de la ciudad de Nueva York, Wigmore Hall de Londres, Kennedy Center de Washington, Recital Society de Vancouver, Palau de la Música de Barcelona, Philarmonie de París y de Berlín, TAP Poitiers, WDR de Colonia, Bozar de Bruselas… También actúa en festivales como Saintes, Radio France Montpellier Occitanie, Ambronay, Leipzig Bachfest, Utrecht, Folles Journées de Nantes… Trabaja en Inglaterra, Escocia, Irlanda, Islandia, Italia, España, Alemania, Austria, Noruega, Bélgica, Países Bajos, Suiza, Polonia, Hungría, Rumania, Estonia, República Checa, Dinamarca, EE. UU., Brasil, Colombia, Chile, México, Israel, China, Japón e India.

Thomas Dunford es invitado a colaborar, de forma regular, con formaciones y orquestas como Les Arts Florissants, Academy of Ancient Music, Cappella Mediterranea y Pygmalion entre otros. También dirige la producción con la Opera Lafayette de Washington DC desde 2017.

En 2018, crea su propia formación, Jupiter, que reúne a músicos como Lea Desandre, Jean Rondeau, Sophie Gent, Théotime Langlois de Swarte, Bruno Philippe, Peter Whelan… Su primer álbum dedicado a Vivaldi (galardonado con diferentes premios) fue lanzado por Alpha en 2019. Entre sus principales proyectos actuales se incluye un programa de oratorios de Haendel con Lea Desandre y Iestyn Davies como solistas, así como Amazone, un programa de recitales franceses e italianos con Lea Desandre. Jupiter ha sido invitado a actuar en los principales escenarios de Europa y Estados Unidos, como la Philharmonie de Paris, la Philharmonie de Berlín, Auditorium de la Radio de Francia, ElbPhilharmonie de Hamburgo, Carnegie Hall, Wigmore Hall, Festival de Pâques Aix-en-Provence… Con anterioridad al éxito de Jupiter, Thomas Dunford recibió numerosos premios por sus grabaciones en solitario (con Alpha): Lacrimae en 2012, Labirinto d’Amore en 2014 y Bach suites en 2018.

Para la actual temporada 2021-2022, Thomas Dunford estará de gira por los Estados Unidos con el conjunto Jupiter (Los Ángeles, San Francisco, San Diego, Washington, Carnegie Hall de Nueva York…). En otoño actuará de nuevo en la Elbphilharmonie de Hamburgo, para visitar posteriormente Japón en el Oji Hall de Tokio y realizar una gira en primavera por las principales salas españolas. Actuará asimismo a dúo junto a Jean Rondeau en el Wigmore Hall de Londres.

Thomas Dunford es aficionado a muchos géneros musicales, particularmente al jazz, y ha estado trabajando en proyectos de música de cámara con directores y solistas como William Christie, Paul Agnew, Leonardo García Alarcón, Nicola Benedetti, Keyvan Chemirani, Jonathan Cohen, Christophe Coin, Iestyn Davies, Lea Desandre, Isabelle Faust, Bobby McFerrin, Philippe Herreweghe, Monica Huggett, Alexis Kosenko, Francois Lazarévitch, Anne-Sophie von Otter, Trevor Pinnock, Patricia Petibon, Sandrine Piau, Anna Prohaska, Hugo Reyne, Anna Reinhold, Jean Rondeau, Skip Sempé o Jean Tubéry entre otros. También actúa de forma regular junto con el clavicenista Jean Rondeau, la mezzosoprano Lea Desandre y el contratenor Iestyn Davies.

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