ENTRE EL ESTILO GALANTE Y LA MÚSICA VISIONARIA…

Joan Vives Bellalta, Músico y divulgador

A priori, el programa de este concierto nos trae música representativa de los dos últimos tercios del s. XVIII, a medio camino entre el estilo galante y el clasicismo. Pero está claro que los grandes genios siempre se empeñan en romper los esquemas de la moda y crear obras que trascienden los límites establecidos por cada época.

La Sinfonía en mi bemol mayor Wq 179 de C. P. E. Bach, escrita en 1757 y revisada posteriormente, nos cautiva desde sus primeros compases, ya que lejos del carácter tierno, amoroso, que la tradición barroca había vinculado a la tonalidad de mi bemol mayor, la inestabilidad emocional y los contrastes van dibujando el vínculo de esta obra con el gusto Empfindsamer (o sentimental), que Federico el Grande de Prusia, el rey flautista, había implantado en la música que sonaba en sus palacios de Berlín y Potsdam, donde Carl Philipp trabajó como clavecinista durante casi cuarenta años. La inquietante calma del movimiento central da paso al presto final escrito en el más puro estilo de cacería.

La Sinfonía de W. F. Bach, hermano mayor del anterior, por el uso de la tonalidad de fa mayor nos predispone por tradición entre compositores de la época a un escenario pastoral. Nada más lejos de lo que oiremos hoy aquí. Surgida en el tiempo en que trabajó en Dresde, a principios de la década de 1740, esta sinfonía responde al sobrenombre apócrifo con el que es conocida en alemán, «Die Dissonanzen», por la abundancia de sorpresas armónicas con las que Friedemann Bach nos irá sorprendiendo y cautivando. Como si de pronto se hubiera hecho suyo el estilo libre e intenso de su hermano de Berlín. O bien, el estilo singular de Jan Dismas Zelenka, también compositor en la corte de Dresde. Los amables minuetos finales nos devuelven a la tradición.

La belleza clásica en estado puro estalla exultante en el Concierto en do mayor para violonchelo y orquesta, uno de los dos conciertos que conservamos de Haydn para ese instrumento. Aunque se sabía de su existencia, porque Haydn lo cita en un borrador de catálogo de su propia obra realizado en 1765, el concierto estuvo perdido hasta 1961. En ese momento el musicólogo checo Oldřich Pulkert encontró el manuscrito en el Museo Nacional de Praga. Estamos ante una obra juvenil, surgida en los primeros años de trabajo del compositor en el Palacio de Eisenstadt, al servicio de la familia Esterhazy, y muy probablemente destinada al entonces primer violonchelista de aquella orquesta, Joseph Weigl. Sin duda es una de las páginas más deliciosas escritas para violonchelo durante la segunda mitad del s. XVIII.

En la producción orquestal del compositor de Lucca, Luigi Boccherini, también destacan particularmente una docena de conciertos para violonchelo (además de compositor, fue también un virtuoso de este instrumento). Los cuatro primeros, los publicó en París alrededor de 1770 poco tiempo después de establecerse en España, donde trabajó para el infante Don Luis de Borbón en el Palacio de Boadilla del Monte. Uno de estos conciertos es precisamente el escrito en sol mayor G. 480, donde se pone de manifiesto la capacidad virtuosística del compositor mezclada con un exquisito encanto clasicista. Por cierto, el adagio de este concierto fue uno de los fragmentos usados por Friedrich Grützmacher en 1895 para construir la obra híbrida que entonces se llamó Concierto en si bemol mayor de Boccherini con la combinación de un fragmento de la sonata G. 565 y del concierto G. 482 con muchos añadidos del propio Grützmacher, incluidas notas, adornos y la reorquestación. Hoy oiremos la música tal y como la concibió Boccherini.

Tras el paréntesis que han representado las dos páginas para violonchelo, completaremos el concierto regresando a la singularidad casi prerromántica de una de las sinfonías más carismáticas de Haydn. Ya desde los primeros compases se define el carácter Sturm und drang (tormenta y acción) de esta sinfonía que, poco o mucho, seguirá marcando, o simplemente perfumando, el resto de la obra. Este término, extraído de la obra teatral homónima de Friedrich Klinger, se usa para hacer referencia a toda una serie de obras musicales surgidas en torno a 1770, y no sólo de Haydn, que comparten rasgos que parecen anunciar el romanticismo, como ahora el color oscuro y melancólico propio de los modos menores, golpes orquestales, ritmos sincopados, cortes bruscos, sorpresas armónicas… El hecho de componer de forma exclusiva para el príncipe Nikolaus permitió a Haydn realizar una música arriesgada, que si hubiera ido destinada a un público como el de Viena, no habría sido comprendida. Especialmente singular es el Finale, que después de empezar de forma contundente, se detiene de forma brusca cambiando a una segunda parte más dulce en modo mayor, a partir de la cual los músicos se irán levantando de forma progresiva, quedando sólo dos violines para tocar el acuerdo final. De ahí el apodo de «Sinfonía de los adioses» con el que se ha hecho célebre. Haydn explicó que ésta fue la única manera diplomática que encontró de hacerle saber al príncipe Nikolaus que los músicos querían tener unos días de vacaciones ese verano de 1772, a pesar de que él excepcionalmente hubiera decidido no irse. La genialidad puesta al servicio de trascender, incluso en lo que se refiere a los derechos laborales de los músicos.