Mercè Pons (compositora y directora del Gabinete de Comprensión Musical GACOMUS)

Ludwig van BEETHOVEN (1770-1827)
Apertura Egmont, op. 84

En la época en que España gobernaba Flandes, el conde Egmont (1522-1568) era un noble flamenco que prestó un gran servicio al rey español. Más tarde, mantuvo una actitud más liberal y se enemistó con el duque de Alba. Egmont, ejecutado en Bruselas y recordado como un héroe nacional, es la figura del drama de Goethe, Egmont, de 1788. Como admirador de Goethe, Beethoven compuso la música de escena para un drama en cinco actos, que se estrenó en Viena en 1810.

La partitura consta de una obertura (que será la que escucharemos esta noche) y nueve piezas (cuatro entreactos, dos lieder, dos melodramas y una Sinfonía de la victoria).

Egmont de Beethoven nos muestra una música grande, emocionante y elocuente, que rara vez suele representarse entera.

La obertura, en cambio, de un heroísmo trascendente (que contradice el carácter del héroe, a veces indeciso), forma parte del repertorio de todas las formaciones sinfónicas.

En esta obertura encontramos un condensado de la acción en el plano dramático y psicológico, que concluye con los motivos de la Sinfonía de la victoria, que es cómo termina el drama.

Su estructura está formada por una introducción, a la que sigue una forma sonata y termina con una coda. Cada una de estas partes presenta un tempo y un compás distinto.

La introducción Sostenuto ma non troppo, en compás de 3/2, está formada por dos temas. El primero representa la lucha contra la tiranía (la lucha de los Países Bajos españoles por su emancipación en el siglo XVI, bajo el impulso de Egmont). Luego sigue el segundo tema que simboliza “la aspiración a la libertad”. La forma sonata Allegro, en 3/4, también presenta dos temas; el primero simboliza la “revuelta” y el segundo la idea del “destino”. En la reexposición de esta forma sonata se repite el tema principal, y al tema del “destino” le sigue una pausa expectante y una réplica muy sutil. La causa de la libertad ha fracasado, de momento, pero llegamos a…la coda Allegro con brio, en 4/4, que constituye el brillante discurso de la victoria (Egmont sube al patíbulo sin plegarse a la arbitrariedad de los jueces). En la instrumentación, la flauta cambia a piccolo para proporcionar un efecto más brillante e incisivo. Un final victorioso, triunfante, en el que participa toda la orquesta, y los violines tocan en una tesitura muy aguda y que nunca, hasta entonces, se había utilizado para orquesta, ya que se consideraba “inejecutable”.

Wolgang Amadeus MOZART (1756 – 1791)

Concierto para piano y orquesta núm. 22, en mi bemol mayor, K. 482

Mozart adoptó la forma concierto de los maestros del Barroco (Vivaldi y Bach entre otros) y la desarrolló hacia el clasicismo.

La riqueza y variedad conseguidas con la creación de veintisiete conciertos para piano y orquesta constituyen un ejemplo en la historia de la música y pueden considerarse los padres del concierto moderno. Wolgang fue, como es lógico, su intérprete, por lo que se convirtieron en el espejo de sus aspiraciones más íntimas.

En primera instancia Mozart no solicitaba clarinetes, pero en el caso del Concierto núm. 22, y por primera vez, no sólo le añadió un par de ellos, sino que sustituyeron completamente a los oboes.

Mozart compuso el Concierto núm. 22 entre noviembre y diciembre de 1785, mientras comenzaba su ópera Le nozze di Figaro, y se estrenó el 16 de diciembre del mismo año en Viena. Con una duración de unos 35 minutos es uno de los conciertos más largos del compositor.

Lo que resulta más sorprendente de este concierto es la interacción que se produce entre el piano y el quinteto de viento-madera (flauta, dos clarinetes y dos fagots), interacción que se pone de manifiesto en el segundo y tercer movimientos, donde los vientos parecen un conjunto separado de la orquesta, participando con diálogos conmovedores entre ellos y con el piano solista.

En el primer movimiento, Allegro, estructurado en forma sonata, el desarrollo está concebido como una transición antes de la relación de la tensión propia del final. El segundo movimiento es un Andante, con la estructura de tema con variaciones, que nos ofrecerá todas las gamas posibles de expresión, desde el carácter elegíaco hasta el trágico. El tercer movimiento, Allegro, presenta la estructura de rondó, en la que destacará un episodio Andantino cantabile antes de volver al tema principal llegando a un final muy animado. Esta idea nos recuerda las súplicas en adagio del conde Almaviva, que conducen a una conclusión soplo en Le nozze di Figaro.

Antonin DVOŘÁK (1841 – 1904)

Sinfonía núm. 8 en sol mayor, op. 88

La idea de canto de pájaro y la sensación de relajación y felicidad de esta sinfonía sugieren la calificación de “Pastoral de Dvořák”. Aquí se pone de relieve el deseo del compositor de aportar frescura a la forma sinfónica.

Cuando Dvořák aceptó un doctorado honorario de música por la Universidad de Cambridge en 1892, ofreció esta obra como su “ejercicio” obligatorio. Sin embargo, no era una partitura nueva, puesto que Dvořák había dirigido su primera interpretación en Praga el 2 de febrero de 1890.

La sinfonía fue compuesta entre el 26 de agosto de 1889 y el 8 de noviembre del mismo año, en la casa de campo que tenía Dvořák en Vysoká, cerca de Praga.

Ésta es la obra más checa de su autor porque está inspirada en canciones y danzas folclóricas de su patria. Otakar Šourek, biógrafo del compositor, explica que Dvořák tenía “su propio jardín en Vysoká, que le encantaba ‘como el arte divino en sí mismo’. Aquí absorbió impresiones poéticas y estados de ánimo, aquí se alejó de la vida y se afligió por su inevitable decadencia, aquí se entregó a reflexiones filosóficas sobre la sustancia y el significado de la interrelación entre la naturaleza y la vida”.

La Sinfonía núm. 8 está estructurada de forma típica, en cuatro movimientos.

Al inicio del primer movimiento, Allegro con brio, una melodía sostenida y sombría en los violonchelos da paso rápidamente a un audaz solo de flauta. Sin someter nunca el elemento dramático, Dvořák suelta el lado poético de su naturaleza a través de los movimientos de esta partitura, desde la retórica, a menudo melancólica del segundo movimiento, el Adagio, hasta el Allegretto grazioso del tercer movimiento, de sabor folclórico con ritmo de vals, pasando por el enérgico tema con variaciones del último movimiento, Allegro ma non troppo, que nos conducirá a un emocionante final, donde destacarán los metales y la percusión.