Bàrbara Duran Bordoy

Musicóloga y escritora

A VIVALDI LE INTERESA EL CONCIERTO DE HOY

No se pueden entender demasiado bien los motivos por los que Vivaldi (1678-1741), ya a los 63 años, dejó Venecia y partió hacia Viena. Es verdad que poco tiempo antes había coincidido con el emperador Carlos VI, un entusiasta de su música, quien le había invitado a ir a la capital austríaca. En cualquier caso, parece que hay dos factores claves en esta partida: por un lado, el estilo de Vivaldi ya no era tan del agrado de los aficionados; por otro, su deseo de triunfar claramente en el mundo operístico. En este terreno no siempre le había ido bien en Venecia, y quizá le quedaba una espinita clavada: triunfar como compositor operístico y convertirse, a la vez, en uno de los principales músicos de la corte vienesa. No tuvo suerte, porque poco tiempo después de su llegada a Viena Carlos VI murió, y en unos meses él mismo enfermó y también murió allí la noche del 27 al 28 de julio de 1741, en unas condiciones ciertamente cercanas a la pobreza.

¿Por qué el estilo de Vivaldi no era ya tan apreciado? Quizás porque habían aparecido nuevos aires en el lenguaje instrumental, especialmente el violinístico, hacia el primer tercio del XVIII siguiendo la maestría de Corelli y el propio Vivaldi. El mundo musical empezó a adorar a nuevos ídolos: Tartini, Locatelli, Sammartini, Pergolesi y otros, que tomaron el relevo. Ofrecían novedades, nuevas ideas que parecían pinceladas aisladas, pero que poco a poco se consolidaron y pasaron a ser «la moda». Otros creadores, como el francés Jean-Marie Leclerc, hicieron una asimilación de todo ello en el contexto francés.

El programa de hoy exhibe la continuación de esta tendencia, de un proceso evolutivo que parte del genio de Vivaldi hasta llegar a técnicas contemporáneas. Una recontextualización, variación y ampliación de todo lo que el maestro veneciano aportó al lenguaje instrumental; y así se pueden seguir desde los modelos de concierto solista y del concerto grosso —tutti y concertante—; un formato híbrido entre los dos anteriores que Vivaldi dominaba —solistas en el grupo concertante—, hasta llegar a la libertad constructiva y formal de las piezas contemporáneas.

Los conciertos programados ejemplifican la maestría de Vivaldi en este terreno. El Concierto para cuerdas RV 157 destaca por su ligereza y fluidez a pesar de un ritmo marcado; el segundo movimiento es tratado casi como un recitativo que contrasta con la deliciosa intensa vitalidad del tercer movimiento. Aquí, manifiestamente, se explora la sonoridad del conjunto de cuerdas de forma íntegra.

En cambio el Concierto en do mayor RV 191 para violín, cuerdas y bajo continuo comienza con un tutti que deja paso al solista, un concierto que marca claramente estos dos papeles, se necesita un intérprete que solucione la ligereza endemoniada del primer tiempo. El segundo tiempo es una especie de monólogo que dibuja una delicada filigrana sobre un bajo continuo seguido de un allegro juguetón.

El Concierto en mi mayor RV 253 «La tormenta di mare» es uno de los cinco conciertos que Vivaldi dedicó a esta imagen —una tormenta en el mar—, verdaderamente un ejemplo genuino de su música programática. Se oyen, nítidamente, las aguas tumultuosas; el violín como un pequeño barco, brillante y esplendoroso, que lucha contra ellas; y la melodía del solista que flota y flota, haciendo frente a las olas, hasta un tercer movimiento trepidante; en una imagen sonora de lo que son, también, las dificultades de la vida humana. Un esquema diferente es presentado en el Concierto en mi menor op. III n. 4 RV 550 que es más bien uno de los ejemplos del híbrido entre concierto solista y concerto grosso, pues los cuatro violines intercambian imitaciones y pequeños solos en el conjunto instrumental.

El último concierto del maestro veneciano, en re mayor RV 208 «Il Grosso Mogul» no deja de mostrar sus exigencias hacia un solista que debe controlar las dificultades técnicas, ya que incluye una cadencia escrita sobre una nota pedal interminable. Pero deben controlarse, al mismo tiempo, los registros afectivos y expresivos que la composición despliega.

Las obras contemporáneas inseridas en medio de este conjunto de conciertos presentan diversas aproximaciones al conjunto instrumental y al violín solista. Spiccato il Volo de Luca Francesconi (1956) no deja de tener un comienzo casi vivaldiano para seguir con un movimiento frenético para violín solo, donde las disquisiciones cercanas al maestro veneciano parecen encontrar nuevos caminos melódicos y tonales, sin dejar su sustrato enérgico y rítmico. El virtuosismo llevado a la contemporaneidad, donde se deconstruyen las figuraciones primeras del violín para crear nuevos materiales.

Incanto XXIII para violín y flauta de Simone Movio (1978) pone de relieve que los timbres del violín y de la flauta de pico tienen cierta calidad similar: precisión sonora, un sonido incisivo que puede volverse repentinamente cálido o endurecerse como una piedra. La exploración y ampliación de los aspectos formales y tímbricos propios de la flauta de pico y el violín parecen ser el camino que Movio elige para la serie Incanto. Un lenguaje aún más atrevido es mostrado en el Capriccio núm. 2 ca. de Salvatore Sciarrino, aunque ecos lejanos de los pájaros de la Primavera vivaldiana parecen planear en medio de las arcadas del violín, o quizás sean las resonancias de las flautas de pico agudas las que llevan a su evocación.

Estroso de Aureliano Cattaneo (1974) supone una ampliación del lenguaje habitual, desarrollado a partir de pequeñas células de material que replantean el desarrollo temático clásico. Esta obra muestra cómo un conjunto de música barroca es también capaz de generar nuevas perspectivas tímbricas y estructurales que no esconden cierta tensión y misterio. Del compositor italiano Marco Stroppa (1959), que destaca en el campo de la composición para instrumentos y electrónica en vivo, se presenta la obra Dilanio avvinto; Giovanni Sollima (1962) crea, en la pieza Moghul, una obra de intensa belleza, que agita el mundo emocional y conduce a un clima onírico en el que la sonoridad de las cuerdas crean un paisaje único.

Algunas de estas obras de nueva factura fueron encargadas, sin duda, para ilustrar el viaje histórico del violín hacia caminos inexplorados. Esta noche, en todo caso, conviene velar arcos, pasillos y asientos de este claustro; no sería de extrañar vislumbrar, merodeando, el espíritu de un Vivaldi curioso que escucha atentamente, para no perder calada, lo que está de moda casi trescientos años después de su muerte.